走過篳路藍縷來看痛失摯愛動畫短片《阿公的畫布》

文/黃志堅

    《阿公的畫布》是2020年Netflix推出的原創動畫短片，又名《畫布》，是一部讓人看了會感動的動畫短片，雖然片長只有短短的九分鐘，對於不耐看動畫長片的我，居然也可以讓我耐心地看完，也許五年前的父親過世，母親對父親的思念，足足花了幾年才走出來有關，一個心理學家說過，非常難過時怎麼辦？也要讓自己保持呼吸，一口一口地讓自己可以喘息，這部短片事劇情在敘這個悲痛的外公在痛失摯愛後，長時間忘記自己的興趣在畫畫，由於對奶奶的思念無時不刻在自己的腦海裡，難以重拾對繪畫的熱情，但是後來終於再次找到創作的靈感！除了親情還是親情，有興趣的朋友可以上網找來看看。

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 《阿公的畫布》導演的介紹

   《阿公的畫布》是由弗蘭克·阿布尼三世（Frank E. Abney III）所擔任編導，這是他執導的第一部動畫短片，他過往任職迪士尼與皮克斯動畫工作室，擔任執行故事發想與劇情細節構思的工作，對於首次擔綱創作創作Netflix動畫短片，他說是抱持著既期待又怕受傷害的心情。導演告訴《觀察家報》記者說，在製作動畫時，需要時間和極大的耐心，他說我們在生活中充滿了幸運、收穫和祝福，但是有時也會有不幸的損失。身為動畫師兼藝術家弗蘭克·阿布尼三世（Frank E. Abney III）他在這部短片《阿公的畫布》中分享了自己的經歷與看法。

《阿公的畫布》故事大綱

    在《阿公的畫布》中，故事開始突然一口氣阿公生活就改變了。阿公的床邊右側突然變得空曠了，枕邊人已經不再。隨著妻子的去世，畫家亞瑟頓時失去了靈感，他的的腦筋突然變得空白，無法再下筆創作。這樣日復一日，有天他坐在溫暖的陽光下，在畫架上一張空白的畫布前，連小小的筆觸都無法畫下。畫家亞瑟的憂鬱在他的女兒阿馬拉和她的小女兒奧拉的到來後，突然帶來了活力和微笑。這讓我想到台灣很多獨居老人，他們常常處於一個人獨自居住，沒有家人陪伴，常常要到過年三節才有機會看到子女與孫子，也許孤獨真的是老人的宿命，老實說我真的很怕自己也會在老實孤獨。

    這部九分鐘電影最引人注目的一個方面是，由臉部藝術家梅格·希金波坦（Meg Higginbotham）對頭髮和人物皮膚的細節進行設計，他使用各種動畫程式，包含MAYA 來達到3D細緻的效果，如果專心觀察或是看第二次時，您可以仔細觀察臉部的表情部分，弗蘭克和他的團隊能夠創造女兒阿馬拉的扭曲頭髮，在亞瑟的臉頰上的細緻包含黑斑，這樣的小細節充滿質感，導演說我創造了一些東西放在那裡， 代表我的經驗，希望讓您看見。《阿公的畫布》故事十分簡單直白，簡單說就是用一個平凡的故事來說一個一點都不平凡的愛情，阿公失去摯愛畏懼拿起畫筆，可以很清楚知道阿公是個畫家，短片和長片的不同部分無法有大的篇幅與時間，做場景的介紹與人物描述給觀眾知道，所以觀眾都要帶一點想像力，您認為是什麼就是什麼，感受就是最為直接部分，觸動人心的部分在於認同感，例如與老伴的相遇相愛的過程，都是讓觀眾用自我的體驗去帶過，此部動畫片都與畫畫為重心，加上親情給予人的溫暖，家人的關心佔有一定程度療育，阿公因為老伴的過世害怕面對過去曾與她美好回憶，將那些美麗的記憶鎖在他的內心與畫室，心理學家告訴我們要克服悲傷與難過的情緒，最好的方法就是勇敢面對面對面對。

   導演說試圖從真實的東西中拉出來，"他說需要時間和耐心。"還要和我的藝術家們一起反覆運算這些東西，以確保讓觀眾知道，即使需要一點時間電腦運算才能把頭髮弄好，導演期待會讓它發揮看的到的作用，因為沒有像一個巨大的預算，導演說我們必須做我們能做的，讓你知道，我們盡可能接近想像，我們可以做到的程度。

    當失去妻子，亞瑟無法完成他開始的她的畫作，在黑暗的畫畫房間裡留下了一張白紙。《阿公的畫布》是一部大部分是無聲的動畫電影。沒有細微的對話，只有亞瑟在面對家人前深呼吸的聲音，以及輪椅滑動的吱吱聲，阿公的悲傷已經深化了，當他轉身離開他妻子的衣服掛在壁櫥的視線。

    對導演來說在情感上是一個非常個人化的動畫專案，因為它的悲傷主題，以及影響我們的方式是他非常熟悉的概念。導演5歲時失去了父親，他很清楚知道感受，以及他的母親和祖父在悲痛過程中經歷了什麼。這部動畫已經成為他成年後，利用這部動畫電影的表現方式與世界分享自己的經驗。

    導演說"這絕對是一種脆弱的體驗，但你知道使用這種體驗是具有治療性的，導演說"這就像個孩子，找到你喜歡的愛好，這是你回到心中積極找到出路，這也是一種與經歷過類似經歷，與其他人聯繫的方式。也許他們從中找到了靈感來講述自己的故事，其他人可以在其中找到某種能量，或者讓他們覺得自己並不孤單或像我之前說過的一樣的東西成為靈感的源泉。

   《阿公的畫布》的主角亞瑟把他所有的作品都鎖在這個房間，有時候需要那個意想不到的人打開那扇門，孫女打開了這扇門，也打開了阿公的心房，對於觀看這部電影的兒童，在親情中很容易看到自己，這個小女孩花時間愉快地為她祖父畫畫，他們也可能在亞瑟身上看到一點自己，尤其是現在世界發生了變化，我們生活在一個失去家人的世界里，悲傷是難以揮去的感覺，觀眾也許通過觀看這部電影，想起一絲念頭去與父母分享他們的想法和感受。因為這電影前半部分聚焦於悲傷，希望確保治療是電影其餘部分的焦點。感覺我們總是要把悲傷推開繼續前進，他把他所有的作品都鎖在這個房間，有時候需要那個意想不到的人打開那扇門，讓你面對它並克服它。

    導演最後說"我不能談太多，但肯定會有什麼特別的事情，這絕對符合我想作為電影製作人創作的作品，這些內容突出了特定體驗，並突出了我們的文化，我等不及要分享它了。

         《阿公的畫布》是Netflix繼《無論如何我愛你》後，另一部超高評價的催淚動畫短片，短短9分鐘就能讓人感受到故事中巨大的悲傷能量，我們都是在逃避後才驚覺自己有多傻，失去了才知道親情的重要，面臨死亡才知道活著的意義，樂觀不是用說說就好，悲觀也不是無法解決的情境，當面對時負能量來時，唯有用僅有的正能量打敗它，面對它，觀眾在此可以看到親情與陪伴，如果你還有機會有時間不要忘記一直想看見你的爺爺奶奶或是爸爸媽媽，甚至是老朋友們，一些關心可以少一點遺憾，愛要趁早子女們快做吧。

《鬼滅之刃》--集日本經典動漫元素之大成的超新星

文/李彥初

去年爆紅的超人氣動畫《鬼滅之刃》(簡稱《鬼滅》)，是由原作人稱「鱷魚老師」的吾峠呼世晴的作品《鬼滅之刃》改編而來。近2年來《鬼滅》風潮快速席捲日本、台灣及香港等地，風靡無數青少年、兒童甚至家長，前陣子的劇場版動畫《鬼滅之刃─無限列車篇》台灣票房更是突破6億元，成為今年度最賣座的電影。然而，《鬼滅》漫畫其實剛開始的人氣平平，甚至面臨腰斬危機，之所以人氣扶搖直上的原因要歸功於動畫版的推出。

 

    《鬼滅》動畫是由ufotable(俗稱幽浮社或飛碟社)所製作，ufotable擅長精緻作畫及3D特效運鏡，此前製作過最有名的作品為《Fate》系列。《鬼滅》動畫版推出後，與漫畫一樣，剛開始進展略慢，但是到後來才發現，這一切都是為了鋪墊，尤其是動畫中的最高潮第19話，那田蜘蛛山篇，當炭志郎與下弦之五累決戰的時候，美術效果與畫面流暢度提升到極致，配合作曲家椎名豪和歌手中川奈美聯手打造的特殊ED(片尾曲)，不只激發觀眾的腎上腺素，同時也激發了淚腺，更顯示出熱血動漫不是只有燃向BGM一種選擇，溫情向插曲產生的效果也是不容小覷。因此，這一話也被粉絲稱為「神之第19話」讓《鬼滅》動畫人氣大爆發；不少網友也是從這一話後，回頭追補先前的18集的。

█圖為動畫最高潮的的19集，無論是劇情、特效、配樂均推升到最高點。

 

    

     《鬼滅》動畫的成功，除了在劇情、人設上建立良好的基礎，幽浮社的高端作畫技術更是起了相當大的作用。幽浮社本就擅長3D運鏡，一些大場面、打戲方面結合3D及2D的方式反，視覺效果更加逼真。然而，網友口中的良心動畫，背後製作過程卻沒這麼簡單，日本一篇專訪幽浮社的文章曾講述到，幽浮社之所以能製作出優秀產品的原因，是維持社內製作「一貫化」特色。也就是說，從製作動畫起，3D電腦繪圖與數位映像部就會開始密切合作，從色彩、背景美術和攝影都在社內一條龍完成，因此能將產出時間縮短，且讓動畫整體的構圖有統一性。為展現動畫細節中華麗的場面或高超的技術，幽浮社堅持一根羽毛也必須確實描繪，即使耗時費工，幽浮社都堅持不省略任何一個細節。而幽浮社的攝影團隊，更被譽為日本屈指可數的造型藝術家，能選用絕佳的素材，並與作畫團隊、背景團隊充分溝通，因此其攝影技術也在業界廣受好評。

 

        就好比《鬼滅》動畫光第一集的製作時間就長達有1年之久，因為最初的雪山場景很重要，所以他們會為了合適的場景去勘景拍攝。工作人員拍攝很多的山，包括一些細節地方，像是樹林裡樹木的平衡、灌木叢的位置、土壤的外形，這些都是無法用想像彌補的部分，因為如果單單繪製樹木，根本不能感受到森林的氣息，所以這些細節在一定程度上都非常有參考價值。而且在製作過程中，他們嘗試了各式各樣的風格，例如，第1個到第100個鏡頭的技術水平難免不一樣，但當他們認為「果然還是第100個鏡頭好啊」，那前面的99個鏡頭都要配合第100個鏡頭重新做調整，受訪者笑說，「這大概也是耗費1年的原因吧」。

 

█圖為動畫第一集猶如實景的雪山森林場景。

 

       

       在漫畫中，主角炭治郎所使用的水之呼吸招式，是用浮世繪的方式表現，幽浮社在動畫化的時候也特別研究了一些浮世繪作品，因此在畫面上才能呈現出我們看到的既內斂又華麗的美術效果。其中，還有一段「方向感全失」的鏡頭，據說某位對建築很熟悉的員工，剛開始製作完後覺得漏洞百出，就慢慢的添加一些圖層，一點點地改變，光這個鏡頭的構造和設計，就試做了30個版本左右，也難怪最後呈現出來的成果極具藝術價值。

█圖為水之呼吸招式以浮世繪方式呈現。

 

    談完精緻的3D動畫與特效後，接下來我們再來探討《鬼滅》的劇情元素。《鬼滅》和大多數王道漫畫一樣，離不開熱血、友情及家庭的羈絆，但動漫台詞卻不會讓人感到尷尬。仔細探究後發現，暴紅的《鬼滅》其實隱藏著很多經典動漫的影子，作者「鱷魚老師」融入了《鬼太郎》、《聖鬥士星矢》、《北斗之拳》、《我們這一家》、《神劍闖江湖》、《火影忍者》等名作元素。例如，鬼殺隊的每個角色都藉由各自專屬的烏鴉傳遞命令及訊息；作者細膩刻畫每個鬼的貪嗔痴等愛恨糾葛，每集的鬼除了有各種血鬼術絕招，也都有他們成為鬼之前的人生故事。而在《鬼太郎》中，每個妖怪也有其獨特的心路歷程，也都是藉由烏鴉傳訊，兩者有共同元素。

 

    主角竈門炭治郎從沒有戰鬥經驗的平民，經過師父鱗瀧左近次的艱辛訓練後，一步一步從殺鬼實戰中提升戰鬥力，加上我妻善逸及嘴平伊之助及妹妹禰豆子的戰友、家人陪伴，雖然劇情越到後面遇到的鬼也越來越強大，但總是能在千鈞一髮之際激發出無比意志力，提升檔次使出不可思議的劍式呼吸法，一關接一關不斷成長，就猶如《聖鬥士星矢》主角星矢五小強們，從低階的青銅聖鬥士不斷向上越級打怪，每回戰鬥總是以小博大、以弱克強，緊要關頭都會燃燒小宇宙超越第七感，最終逐一打敗最高階的黃金聖鬥士。

 

    《鬼滅》鑄劍村裡的鑄劍師，會為鬼殺隊劍士們打造無論是外型、顏色都獨一無二的日輪刀，讓他們藉由各種呼吸法施展劍術殺鬼。動畫中引人入勝的自然人文風景及穿越歷史時空的情節置入故事背景，如美麗的紫藤花與淺草古建築凌雲閣，增加背景縱深。鮮艷的紫藤花在劇情設定中對鬼有毒性，專門幫助傷病的鬼殺隊員療養的有名家族家徽也是紫藤花紋。其中有一段炭治郎在淺草遇見大反派鬼舞辻無慘的畫面，讓大正時代的淺草著名地標建築--凌雲閣及霓虹燈閃爍的繁華夜色呈現在觀眾面前。這裡的日本傳統武士道精神，以及幕末後大正時代的東京，時代背景都跟《神劍闖江湖》的元素頗相似。

 

       

       此外，動畫中有許多人鬼砍殺斷頭斷手的血腥畫面，散發出一種暴力美學，恐怖中又帶著一種暢快淋漓的痛快感，這有暴力美學始祖《北斗之拳》的元素；炭志郎、禰豆子、伊之助及善逸等人在蝴蝶屋療傷、特訓時相處、搞笑劇情又有像《我們這一家》、《瘋狂家族》這種家庭式喜劇的影子；劇中鬼殺隊強調階級與團隊合作不特意塑造英雄主義，主公產屋敷耀哉有絕對領導權，轄下的九柱及從甲到葵級的劍士皆聽令行事，要升級必須通過測驗或是討罰一定數量的鬼，另一方鬼王無慘對下屬十二鬼月同樣擁有絕對支配權甚至是生殺大權，這邊又有《火影忍者》的影子在。因此，《鬼聶》放大東方人的奴性以及社畜人生，讓讀者找到歸屬感。

 

    除了精彩打鬥外，反派的鬼在被砍殺時，不再只是刀起頭落，而是在人生跑馬燈畫面中，溫暖的賦予他們有溫度的生命歷程，讓觀眾也心有戚戚焉。讓壞人不只是單純的加害者，同時也是受害者，而炭治郎雖然屬於受害者一方，但作者為他塑造出的暖男性格以其強大的同理心，在鬼被斬殺即將消逝的同時，感受到其從人成為鬼的心路歷程，讓讀者觀眾都能感同身受，這也就是所謂的「修復式正義」，在加害者受到懲罰時，能正視自己所犯下的過錯並誠心認錯，進而與受害者達到真正的和解，這在動畫中蜘蛛山下弦之五—累的結局中完整呈現，也賺了不少觀眾的眼淚。

 

    近年來，很難得有這麼一部動漫作品，處處佈滿經典日本動漫元素，有著承先啟後集日本動漫精華於一身之優勢，《鬼滅之刃》它做到了。

從韓國《整容液》動畫電影與韓劇《女神降臨》探討臉蛋至上的社會價值

文/黎穎蓉

《整容液》是2020年上映的一部從短篇漫畫改篇的動畫電影，液》漫畫諷刺著當前韓國的整形文化歪風，除了批判網路霸凌，道出韓國近年演藝圈潛規則的問題，更直指社會只看臉的怪象與嚴重濫用的審美價值觀，也帶出韓國社會下的對於外貌的要求和龐大的壓力。

故事在敘述一位長相醜陋肥胖的棉花糖女孩遭受歧視與不公平的對待，於是不惜花費高價購買整容液，以藉此獲得美貌的外表與姣好的身材。甚至在變美之後和歐爸展開一段戀情...。但是劇情的後半段逐漸走向恐怖驚悚的情節，從女主角因為使用整溶液結果融化失誤，父母為了救她，重新捏塑女主角，卻使她身長只剩一半高，面貌也未恢復。後來開始找恢復方法，女主角在網路上找到可用錢取肉交換的賣家...，但是整容液的副作用一直存在，正當她隱瞞著歐巴男友的同時，卻發現歐巴男友也有驚人的祕密。

圖一:女主角使用整溶液前；圖二：女主角使用整溶液後

圖片來源:《整容液》網路資料

校園劇《女神降臨》用輕鬆的劇情節奏 帶出殘酷的現實世界

圖左:女主角化妝前；圖右:女主角化妝後

圖片來源:電影神搜

韓國的社會相當注重外貌，認為將自己打理好並讓對方看得舒服順眼是對他人的一種尊重，也因此整容風氣盛行，甚至有偶像因為臉上被拍到青春痘皮膚狀況不佳而公開道歉 。

劇中女主角因為外貌自卑，更受到校園霸凌，受到欺負的她透過一次的轉學，因為這樣的機緣，她決定以新的樣貌在新的學校開始她嶄新的生活。

化妝後的她更成為新校園的風雲人物，男同學紛紛稱呼她為女神，而此刻的她人氣直線上升，也擁有從來沒有的人際關係。

劇情反應現實社會，不少人更願意與擁有姣好外貌的對象交朋友，使得外貌條件相對較於弱勢的人被排擠，長期下來造成的心理壓力，甚至可能會因為成受不了這樣的心理壓力選擇自我了斷。

社會學普遍認為一個人的外貌在人格發展及社會關係中扮演著舉足輕重的角色。現今的社會，不論男女都深受這樣的普世價值所影響，男性甚至開始化妝也期望達到變美變帥的效果，更有一句話「沒有人有義務透過你糟糕的外表去發現你的內在。」講究顏值的時代，你可以不漂亮，但是至少要讓自己看起來舒服、得體，否則不要期待別人得無視於你的外貌，看出你的內在。從二十年前開始有不少影視如：南韓的《醜女大翻身》、香港的《瘦身男女》與美國的《情人眼裡出西施》等等都講述相關的論點。時至今日，即使醫療發達興起了整容行業，甚至進入各種微整形的時代，不少人整容上癮的新聞也是時有耳聞。有趣的是以整形、美妝產業聞名全球的南韓曾掀起一陣「素顏革命」，許多年輕女孩破壞或丟棄化妝品、剪短頭髮，並將影片照片發到社群網站上，因為他們受夠了在過度重視外貌，這也被視為近兩年內南韓風起雲湧的女權運動一部份，盼能打破國內社會對女性單一的美麗標準。維護自我形象過猶不及，未來，要怎麼樣跳脫外貌至上的社會價值觀，以及增強自我認同還是一個重要的課題。

加拿大國家電影局與Norman McLaren對動畫歷史的貢獻與影響

 文/賴玉玲

　　創建於1939年的加拿大國家電影局 (National Film Board of Canada ，簡稱NFB)是加拿大官方組織，此組織由國家電影局長與九位信託局官員組成委員會，共同管理電影發展的相關事務。NFB有一套完善的製作與管理體系，其中英語系統總部設在蒙特婁，其下設有卡通片部、紀錄片、劇情片部、女性電影部與多媒體互動節目四個部門，每個部門又區分為東方區和西方區兩大分支，同時在世界各地設有分部。其中卡通片、兒童片與多媒體互動節目三個部門相較於紀錄片部來說，關係更為緊密，因此這三個部門的辦公機構也被安排在一起，其中動畫部門以製作15秒至15分鐘的短片為主要發展方向。

　　加拿大國家電影局創建的目的，是為了讓加拿大人和外國人，透過電影的形式來認識加拿大。1938年加拿大政府邀請英國著名紀錄片導演約翰‧格里爾遜共同研討電影製作事宜，在成立初期，NFB製作的電影絕大多數為英語影片，直到1947年法國製片人雅各布‧波貝（Jacques Bobet）加入後才打破這個局面。1956年NFB將總部從英語區的渥太華遷往法語區的蒙特婁，隨後由朱諾主導成立了NFB的法語製作部門，並於1964年正式籌組完成。諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）則在1941年時創建了「動畫部」，並擔任部長一職，加拿大國家電影局在動畫發展上輝煌的成績，主要來自於掌舵的諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren），而他也因在此單位的貢獻與輝煌的成就而被視為靈魂人物。

　　加拿大國家電影局因為有固定的國家資金和寬鬆的創作環境，所以自成立開始，就成為全世界電影人嚮往的聖地。而其紀錄片和卡通片也持續地在世界中引領風騷，在金錢至上的全球商業經濟體系中，保持著難能可貴的藝術地位，因此截至1996年加拿大國家電影局已經獲得了3,000多個國際獎項和10座奧斯卡獎，甚至在1989年獲得最高成就獎，就是為了表彰加拿大國家電影局，肯定其50年來在電影藝術及技術上的不斷開拓的精神與成就。

　　對於許多充滿創意，卻為技術或資金發愁的創作者們，NFB不但提供他們技術上的支持，同時也安排他們參加專業訓練課程，並鼓勵他們親身參與動畫製作過程，同時也會組成一個技術支援小組協助他們完成創作，這種形式的作法建立於1996年4月，簡稱PAFPS(Program to Assist Films in the Private Sector)。這些大多是針對創作概念抽象、實驗性強的創作者為對象，因此在NFB創作者不會因為欠缺技術，而無法傳達自身的創意。

　　另外對國家的文化宣傳效益來看，以加拿大國家電影局家的1993年的預算是9,000萬加幣為例，它在全球的收益只有1,000萬加幣。1年的虧損為8,000萬加幣，這個數字看似驚人，但對於一個國家的文化宣傳來說，這種投資是非常有價值的。

　　因此加拿大國家電影局成為加拿大以及全世界動畫工作者嚮往的天堂，吸引著不同民族、不同宗教與各種風格藝術追求的動畫師們，交錯融合表現不同的創意與技法，在這裡他們能盡情揮灑創意，於是一種無法明顯劃分或定義的藝術風格，在這些創作者間展開，而這種獨特的特色，成為全世界動畫發展史上不可或缺的重要流派之一，而這個流派的風格特色就是沒有統一的風格。

　　拉開NFB動畫長廊的帷幕，迎面而來的是風格繽紛、實驗色彩濃厚的各種藝術性實驗作品各自展現特色，在這裡唯一看不見的就是商業氣息，這與現今的主流商業性動畫相比，給人完全截然不同的感受！

　　觀察加拿大國家電影局的卡通片，可以明顯的感受到其創辦的宗旨。不論是印度人、荷蘭人、俄羅斯人、日本人、美國人、丹麥人、法國人，甚至愛斯基摩人，都可以在這裡都得到公平的創作機會，因此其卡通片的一個重要特徵，就在於許多題材源自於不同國家與其少數民族的神話故事。例如印度導演Ishu Patel作品《景深深》（Perspectrum，1975）、《來世》（Afterlife，1978）和《天堂》（Paradise,1984），就極具佛教色彩。荷蘭導演Co Hoedeman，依據愛斯基摩傳說改編的動畫系列片《貓頭鷹與旅鼠》（The Owl and the Lemming：An Eskimo Legend，1971）、《貓頭鷹與大烏鴉》（The Owl and the Raven： An Eskimo Legend，1973）。其獨樹一格的民族音樂、異國服裝，與西方世界截然不同的思維方式，以及獨特的視聽感受與作品主題，已成為加拿大國家電影局的招牌。

　　加拿大國家電影局動畫部自成立開始，即鼓勵動畫工作者自由探索並大膽創作，所以在內容及形式上實驗出許多新的表現方法。幾乎所有的動畫技法在這裡都可以充分得到展現，其中包括手繪動畫、立體動畫、針幕動畫、轉描動畫、剪紙動畫、實拍抽幀、膠片直接刻畫、沙動畫、玻璃油彩、三維電腦動畫等。因此加拿大國家電影局也成為動畫藝術家的搖籃，培育許常多優秀的動畫藝術家，因此也榮獲許多奧斯卡最佳動畫短片獎，以及數十部動畫短片榮獲奧斯卡動畫短片提名。

　　NFB的管理者不會狹隘地以堅持發揚加拿大民族文化的思想，來管制這些動畫創作者，而是以包容創意的態度，允許各種文化、宗教背景的藝術家發揮自己的特長，講述自己創作的故事，也正是如此超然的態度，使這裡成為眾所矚目的動畫聖地。

加拿大國家電影局歷年來所獲得的奧斯卡獎項的動畫片，包括以下影片：

1941《邱吉爾的島》（Churchill’s Island，導演 Stuart Legg，紀錄片）

1952《鄰居》（vt Voisins， Norman McLaren導演，動畫短片，8分鐘10秒）

1978《我要發現一條新路》（I‘ll Find a Way，導演 Beverly Shafer ，短紀錄片）

《沙丘城堡》（Le Châhmteau de Sable，導演 Co Hoedeman，動畫短片）

1979《特別快遞》（Special Delivery，導演John Weldon和 Eunice Macaulay，動畫短片）

1980《每一個孩子》（Every Child，導演 Eugene Fedorenko，動畫短片）

1983《如果你愛這個星球》（If You Love This Planet，導演 Terre Nash，短紀錄片）

1984《Flamenco at 5=15》（導演 Cynthia Scott，短紀錄片）

1989最高成就獎

1995《鮑伯的生日》（Bob’s Birthday, 導演Alison Snowden 和David Fine，動畫短片）

　　而被稱為加拿大國家電影局的靈魂人物諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren），對於動畫的貢獻不僅限於在此地的作為，因為首度被廣泛認可的動畫定義，是由諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）所提出的，他也被譽為「加拿大動畫教父」，一生獲得147個國際動畫獎項，是擁有最多國際動畫獎項的動畫導演，他除了創作了許多的實驗動畫，在美學和技術上也有許多的突破和貢獻，並熱衷於研究創新的科技並運用動畫影片中，對後世的動畫創作觀念及混合媒體實驗等方面，有著極為深遠的影響。

　　諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）出生於1914年4月11日蘇格蘭的斯特靈，畢業於英國格拉斯格市美術學校。自1933年開始從事創作實驗動畫片，製成短片《從七到五》、《彩色雞尾酒》等。1937年後與英國的J.格里爾遜等合作，並嘗試在膠片上直接繪畫和在光學聲帶片上刻劃聲音。1939年後又在美國嘗試在彩色膠片上繪畫。1941年返回加拿大之後，完成《美之舞》、《小提琴》、《鄰居》，《鄰居》一片也獲得奧斯卡最佳動畫片獎、《椅子的傳說》等動畫片。於60年代後繼續創作運用抽象的幾何圖形，表現音樂旋律的《垂直線》、《水平線》和《馬賽克》等影片，也在1975年製作了一部如何拍攝各類動畫片的影片。

　　他的創新還包括早期在戰爭期間，動畫部必須支持NFB的電影製作工作，如「製作字幕」、「繪畫地圖」等，在他的第一部專業動畫片《愛在機翼上》(Love on the Wing, 1938)，他嘗試直接「在膠片上作畫」，更有趣的是，他也將動畫加入「動畫聲音」及「將音樂聲帶被運用到動畫短片」中。除了這些技術突破之外，諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）也強調的是「運動」（motion），動畫的來源是利用「視覺暫留」的原理製作，他將每一格畫面與它之前及它之後的畫面彼此之間些微的差異，經由放映機以一秒二十四格的速度投射在銀幕上，或錄放影機以一秒三十格的掃描方式在電視監視器上呈現影像時，這些微的差異由人類「視覺暫留」的視覺生理缺陷而彌補起來，就產生了連續動作的「幻覺」。所以麥克拉倫說：「每一格畫面與下一格畫面之間所產生出來的效果，比每一格畫面本身的效果更為重要。」，在1968年的電影《雙人舞》中，他在兩個舞者的延遲圖像之間反復疊加，並使用光學打印機，其效果是增強動作並吸引觀看者。如此豐富的動畫創新科技是諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）不斷研究產出的成果，也讓動畫影片有更多表現的技法。

　　諾曼．麥克拉倫（Norman McLaren）除了具有創作者的藝術特質，也同時具備宏觀的格局及管理能力，在加拿大電影局任職時的管理方式，讓世界各國的動畫藝術家們能充分發揮他們的特質與專長，而形成多元豐富的表現風格與技法，在動畫發展史上是極為難能可貴的貢獻也令人敬佩，而他被尊稱為「加拿大動畫教父」實當之無愧。